Mike Kelley, the “blue-collar anarchist”

Nascido no subúrbio de Detroit, filho de um construtor e de uma cozinheira da Ford Motor Company, no início dos anos 70 Mike Kelley tocou bateria na Destroy All Monsters, influente banda que fundou com o artista e músico Jim Shaw enquanto na Universidade do Michigan. Em 1978 ele se mudou para Los Angeles e no California ­Institute of the Arts tornou-se um artista brilhante.

Kelley, que se auto-descreveu “proletário anarquista”, rebelou-se contra seus predecessores, criando um fluxo de trabalhos que desafiaram os valores do mundo da arte. Instalações em Los Angeles incluíram desenhos, pinturas e esculturas em grande escala, além de vídeos, escritos e capas de álbuns icônicos como Dirty do Sonic Youth.

A retrospectiva “Mike Kelley,” aberta até Abril no Stedelijk Museum em Amsterdam, inclui “Pay For Your Pleasure”, uma instalação de imagens de escritores, poetas e filósofos com frases de cada um sobre criatividade e criminalidade, justaposta pela obra de um criminoso. A exibição segue para o Centre Pompidou em Paris, o MoMA PS1 de Nova York e o Museum of Contemporary Art de Los Angeles.

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Born in a Detroit suburb to a maintenance worker and a Ford Motor Company cook, at the beggining of the 70’s Mike Kelley While played drums with the influential noise-rock group Destroy All Monsters, which he cofounded with the artist-musician Jim Shaw whilst an undergrad at the University of Michigan in 1973. He moved to Los Angels in 1978 and at the California ­Institute of the Arts became a brilliant performance artist.

Kelley, a self-described “blue-collar anarchist”, rebelled against his conceptualist forebears with a stream of works that challenged art world values. Installations in Los Angeles included large-scale drawings, paintings and sculptures, as well as videos and his own writing and iconic album covers such as Sonic Youth’s Dirty.

“Mike Kelley,” the four-years-in-the-making retrospective at Amsterdam’s Stedelijk Museum, includes “Pay For Your Pleasure”, an installation of featuring portraits of famous artists, writers and poets with quotes from each about creativity and criminal thinking, juxtaposed with the ultimate criminal’s so called artwork. The show runs through April 1, 2013, then travels to Paris’s Centre Pompidou, New York’s MoMA PS1, and the Museum of Contemporary Art in Los Angeles.

Pay For Your Pleasure (reprise), 1998
Dye transfer ink on polyester poplin with velcro

Pay For Your Pleasure (reprise), 1998
Dye transfer ink on polyester poplin with velcro

Andy Warhol’s “Early Drawings”

Pela primeira vez, 300 desenhos de Andy Warhol dos anos 50 estão sendo publicados em um livro editado pela Blau e exibidos no Louisiana Museum of Modern Art na Dinamarca, para depois seguirem para a Holanda e serem colocados à venda.

Mais conhecido pelas imagens de serigrafia de latas de sopa, batidas de carro e Marilyns que definiram a pop art, alguns dos trabalhos do artista precedentes ao movimento já mostravam traços de um interesse pelo culto a celebridades e uma obsessão pela repetição.

A exposição Andy Warhol’s “Early Drawings” acontece no Louisiana Museum of Modern Art na Dinamarca até 21 de fevereiro de 2013. Veja alguns dos desenhos de Andy Warhol abaixo:

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For the first time, 300 drawings by Andy Warhol from the 1950s are being published in a new book edited by Blau and exhibited at the Louisiana Museum of Modern Art Denmark and later in Holland, and will then be available to buy.
Mostly known for screen prints of soup cans, car crashes and Marilyns that defined pop art, some of the artist’s earlier works reflects traces of his interest in the lives of celebrities and his obsession with repetition.

Andy Warhol’s “Early Drawings” will show at the Louisiana Museum of Modern Art in Denmark until February 21, 2013. See some of Warhol drawings below:

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No Title (Pensive Girl Resting Head on her Hand), circa 1951
Photograph: The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc

No Title (James Dean Look-Alike), circa 1957
Photograph: The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc

Face repeated eight times, circa 1958
Photograph: The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc

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Surrealism and mannequins as Objets d’Art

Os artistas surrealistas tinham um interesse especial em manequins. Eles mantêm vivo Pigmaleão, o mito de Ovídio sobre um escultor que entalha a mulher perfeita, apaixona-se por ela e pede a Vênus que lhe dê vida.

O artista dadaista Raoul Hausmann já havia criado, em 1919, uma cabeça mecânica de papel machê decorada chamada “The Spirit of Our Age”. Dessa forma, o objeto comum perdeu sua função e transformou-se em um conceito artístico. Hausmann fez parte da primeira exposição internacional sobre o Dadaísmo – movimento precedente ao Surrealismo – que aconteceu em Berlim em 1920, além do escultor e fotógrafo Hans Bellmer, que trabalhou com manequins desde o início dos anos 30 e emigrou para Paris em 1938.

Nesse mesmo ano, o escritor André Breton (1896-1966) e o poeta Paul Éluard (1895-1952) organizaram a “Exposition Internationale du Surréalisme” na Galerie Beaux-Arts em Paris. Quinze artistas receberam manequins e foram instruídos a utilizá-los como telas para suas criações.

Em 2011, uma exposição chamada “Surreal Things” na Schirn Art Gallery em Frankfurt mostrou as fotografias desses manequins tiradas pelo pintor, escultor e fotógrafo francês Raoul Ubac, ao lado de esculturas e objetos de artistas como Miró, Dalí e Man Ray. De acordo com a galeria, os objetos confirmam a “paixão dos surrealistas pela iconografia do manequim e refletem o desejo de sexualizar o corpo através de métodos surrealistas como o ato de cobrir e expor”.

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The surrealist artists had a special interest in mannequins. With these mannequins the art myth of Ovid’s Pygmalion, a sculptor who carved the perfect woman, fell in love with her and then asked Venus to awaken her to life, is kept alive.

The dadaist artist Raoul Hausmann had already created, in 1919, a decorated mechanical head made of papier-mâché named “The Spirit of Our Age”. Thus, the everyday item lost its common function and experienced a transformation into an artistic concept. Hausmann was involved in the first international Dada exhibition – the movement preceded Surrealism – which took place in 1920 in Berlin. The sculptor and photographer Hans Bellmer, who emigrated to Paris in 1938, was also a participant of the exhibition. He had been experimenting with mannequins since the beginning of the 1930s.

In 1938, the writer André Breton (1896-1966) and poet Paul Éluard (1895-1952) organized the “Exposition Internationale du Surréalisme” at the Galerie Beaux-Arts in Paris. Each of fifteen artists were given a dressmaker’s mannequin as their canvas and encouraged to transform the figure in any way they desired.

In 2011 an exhibition called “Surreal Things” in the Schirn Art Gallery in Frankfurt showcased photographs of these mannequins, taken by the French painter, sculptor, engraver and photographer Raoul Ubac, along sculptures and objects from artists such as Miró, Dalí and Man Ray. According to the Schirn art gallery, the objects testify to “the passion of the Surrealists for the iconography of the mannequin and reflect the desire to sexualise the body by means of surrealistic methods, such as combinatorics, veiling and exposure”.

Mannequin by Maurice Henry

Mannequin by Man Ray

Mannequin by Marcel Duchamp

Mannequin by Miró

Mannequin by Salvador Dalí

Mannequin by Sonia Mosse

“On the Road: Jack Kerouac’s Manuscript Scroll” at the British Library

This manuscript is on loan from the collection of James S. Irsay © Estate of Anthony G. Sampatacacus and the Estate of Jan Kerouac. Photograph courtesy of Christie’s, New York

Escrito em um período de três semanas em abril de 1951, Jack Kerouac datilografou o manuscrito para seu livro mais famoso em rolos de papel vegetal, que inteiro iria alcançar 37 metros. O manuscrito estará exposto pela primeira vez, em Londres, ao lado de materiais impressos e de som pertencentes à coleção da livraria. Uma série de eventos paralelos, que levam o nome do título do livro, ‘On the Road’, incluem a leitura de poemas pelo poeta de jazz Amiri Baraka.

On the Road: Jack Kerouac’s Manuscript Scroll pode ser visitada até 27 de dezembro na British Library.
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Written over a period of three weeks in April 1951, Jack Kerouac typed the manuscript for his most famous book on rolls of tracing paper, which he taped together into a scroll that would eventually reach 120 feet. For the first time ever, this goes on display in London, where it will be shown in a display in a specially constructed case, along with sound and printed materials from the Library’s collection. A series of accompanying ‘On the Road’ events includes legendary jazz poet Amiri Baraka performing poems and readings.

On the Road: Jack Kerouac’s Manuscript Scroll runs until Thu, Dec 27 at the Folio Society Gallery, British Library, 96 Euston Rd, London, NW1 2DB.

“LOAD” at the Royal Albert Hall

“LOAD” é uma exposição de street art realizada em 2009 no armazém do Royal Albert Hall, com grafites de Ben Slow, Eyesaw, Dan Kitchener, Snik, Blam, Grafter, Babel, Finbarr Dac and DBO pintados nas paredes do local.

Contando a história dos 138 anos da famosa casa de espetáculos, a exposição traz murais de figuras icônicas que passaram pelo seu palco, incluindo Jimi Hendrix, The Beatles, Eric Clapton and The Killers.

Aberta ao público por apenas um dia, desde sua inauguração esses trabalhos de arte são reservados a artistas e empregados que trabalham vendo imagens de Mick Jagger e Paul Weller, ao lado de Albert Einstein, Winston Churchill and Muhammad Ali.

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“LOAD” is an exhibition of graffiti artwork, dating from 2009, on the vast loading bay at the Royal Albert Hall by street artists Ben Slow, Eyesaw, Dan Kitchener, Snik, Blam, Grafter, Babel, Finbarr Dac and DBO.

Depicting the Royal Albert Hall’s 138 year history, LOAD displays murals of the most iconic figures to have graced the Hall’s stage, including Jimi Hendrix, The Beatles, Eric Clapton and The Killers.

Open to the public for one day only, these works of art are since then the preserve of artists, performers and behind the scenes staff at the famous venue who work gazing at images from Mick Jagger and Paul Weller, alongside Albert Einstein, Winston Churchill and Muhammad Ali.

“David Bowie is” at the V&A

O Victoria and Albert abrirá em março a primeira retrospectiva internacional de David Bowie. “David Bowie is” irá explorar os primeiros anos da carreira de David Robert Jones, antes do artista adotar, em 1965, o nome pelo qual se tornou famoso.

Bandas como The Kon-rads, o primeiro sucesso com Space Oddity – que coincide com a chegada do homem à lua em 1969 e introduziu o personagem ficcional Major Tom – cenas inéditas de turnês, cenografia e storyboards do tour de Diamond Dogs de 1974 estarão à mostra. Além de objetos pessoais como set lists escritos à mão, partituras, colagens de palavras e registros de diário.

Bowie inovou ao encarnar personas em seus álbuns e turnês, e 1972 marcou o nascimento de sua criação mais famosa, Ziggy Stardust – a manifestação humana de um alien.
A aparência andrógina e extra-terrestre de Ziggy teve forte influência na cultura pop e assinalou um desafio às tradições sociais.

Tradução livre de matéria da BBC news online.

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The Victoria and Albert Museum will open in March David Bowie’s first international retrospective. “David Bowie is” will offer insight into the artist’s early years, tracing the first musical steps of David Robert Jones before he officially adopted the stage name David Bowie in 1965.

The exhibition will chart Bowie’s first musical steps in bands such as The Kon-rads
It will feature Bowie’s first major hit Space Oddity, which coincided with the first moon landing in 1969 and introduced fictional character Major Tom. Previously unseen tour footage, set designs and storyboards from the lavishly produced 1974 Diamond Dogs tour will also be on display. Alongside these will be more personal items such as handwritten set lists, musical scores, word collages and diary entries.

Bowie’s innovative approach to creating albums and touring shows centred around fictionalised stage personas, with 1972 marking the birth of his most famous creation Ziggy Stardust – a human manifestation of an alien being. Ziggy’s androgynous and otherworldly appearance had a powerful influence on pop culture and signalled a challenge of social traditions.

More than 60 stage costumes will be on display, including original Ziggy Stardust bodysuits from 1972 and outfits designed for his Aladdin Sane and Thin White Duke characters

Works by such photographers as Herb Ritts, Helmut Lang, Brian Duffy and Terry O’Neill will also feature

Recently uncovered footage of the artist performing Jean Genie on Top of the Pops in 1973 will also form part of the exhibition, to run from 23 March to 28 July

Courtney Love’s First Art Show

Não tem sido um mês calmo para Courtney Love, e o próximo vai trazer ainda mais ruídos. A cantora e compositora vai abrir sua primeira exposição na galeria Fred Torres Collaborations em Nova York dia 3 de maio. Aqui, ela divide seus desenhos da série “And She’s Not Even Pretty,” e mostra imagens suas pintando em casa.

É realmente uma “zona livre de Kurt”, Love declarou ao The Huffington Post sobre sua coleção. O que começou como um tributo a suas amizades com mulheres — Gwyneth Paltrow é desenhada com seu filho Moses — abrangeu seus relacionamentos.

“Bastante dessa coleção é sobre um romance,” afirmou Love, não revelando com quem.

Título usado por ela para um fanzine no início dos anos 90, “And She’s Not Even Pretty” se refere a como garotas depreciam outras garotas por causa de garotos. As imagens são uma série de mulheres atormentadas, parecidas com bonecas em estado mental vulnerável, com a sexualidade impulsionando a maior parte da coleção.

O desejo de Love de pintar vem em partes de sua infância, quando sua mãe insistiu que ela se tornasse uma artista, comprando para ela cavaletes e instrumentos africanos para a estimular.

“Foi abraçar isso na minha vida que me assombrou,” disse Love.

Nesse vídeo, feito pelo escritor e comediante Mandy Stadtmiller, Love explica o processo por trás do desenho de Sarah Bernhardt morta, inspirado pelo poema de Robert Frost “Nothing Gold Can Stay.” É “sobre ser loira,” dosse Love.

Abaixo, veja uma seleção de imagens de “And She’s Not Even Pretty” — algumas não estão terminadas, muitas tem título, outras não (ainda?), e todas as fotos foram tiradas por Love. A exposição mostrará mais de 45 desenhos, em lápis colorido, pastel e aquarela, com trechos de poemas, letras de música e outras escritas rabiscadas sobre eles.

“Não sei quando farei isso de novo,” ela disse. “[Mas] se der certo, haverá muitos mais.”

Para saber mais sobre a exposição de Love, visite Fred Torres Collaborations.

Tradução livre de matéria do The Huffington Post.
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It hasn’t been a quiet month for Courtney Love, and the next will bring its own share of noise. The singer/songwriter-turned-artist opens her first-ever exhibit at the Fred Torres Collaborations gallery in New York on May 3. Here, she shares with us drawing from the series, “And She’s Not Even Pretty,” and gives a behind-the-scenes glimpse of her painting at home.

“It’s really a Kurt-free zone,” Love told The Huffington Post of her collection. What began as a tribute to her girl crushes — Gwyneth Paltrow, a friend of Love’s, is drawn with son Moses — became a more inward look at her relationships.

“A lot of this collection is about one romance,” Love said, not taking the bait when we asked which one.

A title she once used for a zine in the early ’90s, “And She’s Not Even Pretty” references the way girls put down other girls, in respect to boys. The images are a series of fraught, doll-like women in vulnerable mental states, with sexuality driving much of the collection.

Love’s desire to paint stems partially from her childhood, when her mother insisted she be an artist, buying her easels and African instruments to encourage her.

“It’s embracing this thing in my life that haunted me,” Love said.

In this video, taken by writer/comedian Mandy Stadtmiller, Love explains the process behind her drawing of a dead Sarah Bernhardt, inspired by the Robert Frost poem “Nothing Gold Can Stay.” It’s “really about being blonde,” Love said.

Below, see a selection of images from “And She’s Not Even Pretty” — some are unfinished, many are titled, some are not (yet?) titled, and all photos are taken by Ms. Love herself. The show will feature more than 45 drawings, done in colored pencil, pastel and watercolor, with excerpts of poetry, music lyrics and other writings scrawled over them.

Love was still adding to the collection when we spoke to her on Wednesday. Why?

“I don’t know when I’ll do this again,” she said. “[But] if this works with me, there are gonna be a whole lot of other ones.”

For more on Love’s exhibit, visit Fred Torres Collaborations.

Moses

And She’s Not Even Pretty

She Has 42 Birkin Bags

Gold Will Never Stay

For the complete selection of images from “And She’s Not Even Pretty”, click here.

Patti Smith’s souvenirs of a joyful solitude exhibit

Após uma grande exposição de obras visuais em 2008 em Paris, “Camera Solo” é a primeira mostra de Patti Smith nos Estados Unidos em quase uma década. Se a exposição européia contou com imagens feitas a partir dos anos 70, com máquinas Polaroid diversas, a americana traz mais de 70 fotografias tiradas por ela desde 2002 com uma Land 250, incluindo imagens em preto e branco de talheres de prata que pertenceram a Arthur Rimbaud e da mesa de trabalho de Roberto Bolaño, além de uma homenagem multimídia ao escritor francês pela influência em Smith desde sua infância.

O título da exposição, que em italiano significa “sozinho em um quarto” – indica a evolução no método de trabalho da artista: “Quando Patti era jovem, fotografia não era um trabalho solitário”, explica a curadora e diretora do museu Susan Talbott. “Agora se tornou bastante privado.”

Sobre fazer fotos com máquinas Polaroid, Smith conta: “Eu inicialmente utilizei as fotos Polaroid como componentes para colagens, no começo dos anos 70. A maioria delas foi perdida. Nos anos 80 fiz fotos com uma Minox 35EL alemã. Em 1995, após a morte do meu marido, não conseguia me concentrar no processo complexo de desenhar, gravar ou escrever um poema. A necessidade de instantaneidade me levou novamente à Polaroid. Escolhi uma Land 100 vintage. O método instantâneo me deu a sensação de liberdade e serviu às minhas necessidades criativas. Em 2002 mudei para uma Land 250 vintage.

Ainda sobre a câmera que tirou as fotos em exibição agora, ela disse: “Às vezes, se eu preciso de silêncio, retorno à minha Land 250. A experiência de tirar fotos em Polaroid me conecta ao momento. Elas são lembranças de uma solidão alegre.”

“Camera Solo” vai até 19 de fevereiro de 2012 no Wadsworth Atheneum Museum of Art em Hartford, Connecticut, Estados Unidos.

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After a major exhibition of visual work in 2008 in Paris, “Camera Solo” is Patti Smith’s first U.S. museum show in almost a decade. If the European exhibition consisted of images since the 1970’s taken with diverse Polaroids, the American one features more than 70 photographs she’s taken since 2002 with a Land 250, including black and white images of Arthur Rimbaud’s silverware and of Roberto Bolaño’s desk chair, and a multimedia homage to the French writer, who has been an influence on Smith since her youth.

The title of Smith’s show—which in Italian means, roughly, “alone in a room” — indicates an evolution in her working methods: “When Patti was young, photography wasn’t such a solitary endeavor for her,” explains curator and museum director Susan Talbott. “Now it’s become very private.”

On taking polaroids, Smith explained: “I first took Polaroids in the early 1970s as components for collages. Most of them are lost. In the 1980s I took photographs with a German Minox 35EL. In 1995, after the death of my husband, I was unable to center on the complex process of drawing, recording or writing a poem. The need for immediacy drew me again to the Polaroid. I chose a vintage Land 100. The instantaneous method gave me a sense of release and served my creative needs. In 2002 I switched to a vintage Land 250. It is a folding pack film camera with a single-window rangefinder made by Zeiss Ikon. Though it can be slightly idiosyncratic, I like the technical simplicity. Near/far. Dark/light”.

Still on the camera that took the photos on display now, she said: “Sometimes, if I crave silence I turn to my Land 250. The experience of taking Polaroids connects me with the moment. They are souvenirs of a joyful solitude.”

“Camera Solo” runs until February 19, 2012, at the Wadsworth Atheneum Museum of Art in Hartford, Connecticut.

‘O’Clock: Time Design, Design Time’

Artistas e designers exploram o conceito de tempo em suas obras para a exposição ‘O’Clock: Time Design, Design Time’ no Triennale Design Museum de Milão, patrocinada pela Panerai. A fabricante de relógios italiana primeiro teve seus relógios aplicados por Damien Hirst nas obras ‘Skull with Watch’ em 2005, ‘The Tranquility of Solitude (for George Dyer)’ em 2006 e ‘Killing Time’ em 2008.

Além de abranger obras de Marc Newson, Darren Almond e Marteen Baas, a exposição que reflete sobre memória, eternidade e morte também tem a participação de João Wilbert. O tecnólogo criativo brasileiro contribuiu com seu ‘Relógio Esquisito‘, uma série de telas interativas que mostram imagens de objetos parecidos com números enviados por pessoas de todo o mundo e em tempo real. O Studio Sovrappensiero italiano oferece a obra de 2008 intitulada ‘Scented Time’, feita de cera altamente inflamável e convidando seus cinco sentidos a participar.

A exposição O’Clock Time Design, Design Time vai de 11 de Outubro de 2011 a 8 de janeiro de 2012.

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Artists and designers explore the concept of time in their work for the ‘O’Clock: Time Design, Design Time’ exhibition at Milan’s Triennale Design Museum, sponsored by Panerai. The Italian watchmaker first had its watches incorporated into Damien Hirst‘s artworks, such as ‘Skull with Watch’ in 2005, ‘The Tranquility of Solitude (for George Dyer)’ in 2006 and ‘Killing Time’ in 2008.

‘O’Clock: Time Design, Design Time’ incorporates work from designers and artists Marc Newson, Darren Almond and Marteen Baas, among others. The exhibits meditate on memory, eternity and death.

The Brazilian creative technologist João Wilbert, working for Benetton’s creative lab Fabrica, has contributed his ‘Exquisite Clock‘, a series of interactive screens that flash images of everyday objects resembling numbers as people from around the world upload them. And Italy’s Studio Sovrappensiero offers up its highly flammable 2008 waxwork ‘Scented Time’, calling on your five senses to participate.

The O’Clock Time Design, Design Time exhibition runs from 11th October 2011 to 8th January 2012.

‘Exquisite Clock‘ by João Wilbert

Hussein Chalayan en Pari

Post novo meu para a Dress It!

O museu Les Arts Décoratifs em Paris está exibindo a primeira retrospectiva de Hussein Chalayan que, além de roupas, cria instalações, esculturas e filmes. Através de desenhos de arquivo e fotos de família, um livro conta a história de Chalayan desde menino em Chipre até seus dias na Central Saint Martins em Londres, onde se formou em 1993, e mais tarde já um designer estabelecido de volta à sua terra natal.

As peças selecionadas incluem o vestido controlado por controle remoto de Before Minus Now (Primavera/Verão 2000), looks de Between (Primavera/Verão 1998), que abrangem de freiras a muçulmanas, e One Hundred And Eleven (Primavera/Verão 2007), com vestidos mecânicos que viajaram por de décadas de história da moda.

Peças vistas em editoriais do The New Yorker (Richard Avedon), American Vogue (Mario Testino), V Magazine (Inez van Lamsweerde e Vinoodh Matadin) e Dazed & Confused (Sofia Coppola), estão lá. Outras bordadas com cristais Swarovski – marca patrocinadora de Chalayan de longo tempo e também nessa exposição – como os corpetes bordados para o show Readings (Primavera/Verão 2008), e com vidro falso que se quebram na passarela. A mais famosa, no entanto, é a saia de mesa de Afterwords (Outonon/Inverno 2000), que explora os conceitos de “arquitetura portátil e usável”.

No começo do ano, o designer mudou o nome de sua marca de Hussein Chalayan para Chalayan simplesmente porque, segundo ele, facilita o reconhecimento em um mundo cada vez mais voltado às marcas e por gostar da aparência. As mudanças incluem o lançamento da linha Chalayan Grey, mais acesível e para um público jovem e Chalayan Red, disponível apenas no Japão.

Hussein Chalayan: Fashion Narratives está no Les Arts Decoratifs de Paris de 7 de julho a 21 de novembro.

‘Before Minus Now’(Primavera/Verão 2000), vestido feito de materiais usados na construção de aviões que muda de forma por controle remoto

Os vestidos adaptáveis de ‘One Hundred And Eleven’ (Primavera/Verão 2007)

‘Readings’ (Primavera/Verão 2008), vestido com cristais Swarovski e mais de 200 lasers que se movem apresentando um espetáculo de luzes

‘Afterwords’ (Outonon/Inverno 2000), móvel que se transforma em peça de roupa